抽象繪畫語言的研究論文
論文摘要：抽象繪畫是現代藝術中非常重要的一種表現形式，它打破了以往寫實再現自然的藝術範疇，而把形式、線條、色彩、肌理作為基本元素再組合，就這樣藝術不需要依附具體的形象來說明，而可以純粹欣賞結構元素的美感，開創了藝術新的方向。
論文關鍵詞：色彩；音樂元素；材質；心靈
一、前言
在藝術創作之中，所謂的造型元素：色相、彩度、明度、筆觸、肌理、形狀、光線、空間、比例等，配合所謂的形式原理：律動、對比、統一、調和、比例、反覆、漸層、單純等，形成了美的要素。再藉由點、線、面、形成一件作品的造型和空間，形成有意味的形式，這就是抽象的結構語言。
抽象繪畫的主要觀念，就是認為藝術作品是由形與色這兩個單純因素所構成，而不必藉助任何文學性、說明性、象徵性來再現人們的內在感情，即便沒有題目，沒有物件，仍然存在，這似乎符合一般所認知的音樂特性。因為音樂由節拍與旋律組成，就算不去描繪景色或故事，節拍與旋律也足以構成美的本質。
二、色彩的安排
色彩的作用可分為生理的與心理的兩方面，生理的感覺只持續片刻，它很表面，如果不特別在意，也不會存留什麼印象，除非是第一次接觸的東西，但當它表面的吸引力消失時，影響力也隨之失去了。而心理的變化則不同，它可能是生理作用將之傳到心靈而發生的，但到底是直接產生或經由聯想而發生，沒有絕對的答案，但心靈和身體常常是互為因果，在心理層面受到震撼時，生理也會受到影響，因此色彩隱藏著極大的潛力，足以影響人的身體。
抽象藝術，有很大的部份是在探究色彩的力量與脫離具象時的活動力，透過色彩創造出造型與動態的幻覺，產生一種視覺的效果，透過色彩嘗試表現聲音，而不再只是模仿物體的彩色影象。色彩的物質性，在主觀的創造下，畫面內容可以由非具象的造型與色彩表達出來，而觀者可以自由地對畫面做聯想，以獲得藝術家的意念。
關於色彩，在東、西方的表現上有很大的不同，中國繪畫沒有應用科學的色彩分析方法，講究主觀用色，大多數就是單色的黑白關係，但是這種黑白關係有著很強烈的心理暗示，至於在色彩的使用上，即使是青綠山水畫也是極為主觀地用色而非真實用色，就連最寫實的工筆畫也是描繪物象的固有色，從理論上來說仍是主觀的。由此可知，中國畫強調純藝術，其色彩合乎生機勃勃之美，而非所謂逼真寫實的再現色彩，它還包含著藝術家的生命和情感注入的深度感覺。
三、抽象繪畫中的音樂元素
康定斯基說認為“十九世紀是外在的世紀，二十世紀是內心的世紀。”現代藝術越來越強調內心世界的探索，此時畫面也多往抽象的情感發展，讓人們能夠聽見繪畫及看見音樂，這是一個重要的課題。音樂是有意味的形式，它的意味就是符號，音樂透過動態的結構，來表現生命經驗的形式，經由運動和情緒，組成了音樂的意義，藝術家們的敏銳就像兒童，往往比其它人更容易聽到東西的內在聲音。好的繪畫，就是無聲的音樂，因為它有嚴密的組織，有起伏的韻律，有變化的輕重，有不同的強弱，繪畫雖是有形的藝術，但也要追求那種無形的、不可捉模的音樂性。
抽象繪畫也像音樂一樣，是訴諸情感的，不同色彩與形的調和、對比、配置，都有不同的音樂性。過去，繪畫中藉由色彩與線條構成與它相應的實物，使我們不難了解它的意義，如今，抽象繪畫單純的色彩與線條就是意義所在，抽象藝術表現的音樂美、旋律感，可以說主要就是藉由點、線、面、形和色彩等元素的結合與安排而來。其實長久以來音樂和色彩之間的對照就一直存在著；比如畫家常常說的調子（指明暗）或是冷暖色調就是借用了音樂名詞的“調”來比喻色彩；而音樂家們也常說音色、和聲色彩等等。同樣的，一個音樂作品很有繪畫性，或一幅畫很有音樂性，會這麼說也不是偶然的。以立體派畫家為例，他們不斷地畫和音樂相關的東西如：吉他、曼陀鈴、鋼琴、樂譜等等，這種潛意識的選擇，足以說明音樂與繪畫的關係密不可分。
為何音樂性在繪畫中佔有如此重要之份量？當然音樂之抽象性質為最主要因素，也是因為音樂一直不是一項表現自然現象的藝術，而是用以傳達心靈的媒體。對於音樂，我們總以詮釋音樂，而不用描寫這兩個字，這是因為它很難做具體的再現，叔本華認為只有作曲家，可以完全不受拘束地，去創造一種屬於他個人意識之藝術作品，而且除了愉悅以外不具任何其它目的。 音樂是一門以音響的方式表現藝術家心靈，而不是複製自然現象的藝術，音樂具有特殊的性格與感染力，它是一種存在於時間的藝術，本質上是那麼的抽象，不像繪畫那樣具體，但同樣能產生感動人心的力量。它是如此吸引著人們的耳朵和心靈。
音樂就是拿許多高低、長短不同的音組合成一種很美的形式，音樂的美完全是一種形式的美，這種論調讓藝術得以朝著更自由的方向發展，展現出更高的獨立性與純粹性。叔本華把音樂認為最高的藝術，因為其它的藝術形式只能表現意象世界，而音樂則為意志的外射，音樂可以直接表現意志，這種強調意志自身的寫照，也成為十九世紀末至二十世紀初藝術追求的目標。
音樂是建立在各種聲音的關係上，它們並不模仿任何生活現象，音樂的時間是單向進行的，從開始到結束沒有迴轉的餘地，而且聽眾是被動地跟隨著音符出現的順序來聆賞樂曲。但是繪畫就不同了，繪畫中的時間概念，是根據畫家筆觸的快慢，及造形與色彩的安排而產生的，所以畫面的佈局可以從四面八方來做各種安排，使得觀眾在欣賞時，可以從畫面的任何一部分開始，順向、逆向、重複、略過，以至結束，欣賞的時間是完全自由的。事實上，時間因素在繪畫中搖身一變成為空間因素，繪畫中所謂同時性存在的觀念也更顯重要，對於繪畫－空間，音樂－時間這個長久以來看似合理的劃分，卻出現了複雜的交錯性。
四、材質的抽象表現
在材質及意境的表現上，以西班牙的藝術大師達比埃斯為例，他的藝術作品在探討一個有機的、無定型的世界，用一種來自中國或日本傳統的單純表達方式，運用大量粗糙物質來表現力量。他常以材料為獨特的語言形式，也視形式與技巧為單一的研究課題，力圖賦予抽象的繪畫一種詩意般的理性。在他的作品裡記錄了他個人的世界觀，由不同材質的處理，無論是以謎樣般的符號、軀體的描繪與強調書法的氣勢，都在強調對日常生活所觸及的事物。這些符號大都來自生活中不經意的痕跡，例如一面牆上的痕跡、一張破布的歲月、一個身體區域性的形體暗示，他迷戀肌理、質感、色彩所呈現的感動，強調畫面結構上的對比。
材料本身是沒有生命力的，一件藝術品所具有的'感人力量，並不僅僅取決於材料，因此藝術家不能忘記創作的有效程度是和社會的心理狀態相關的，因為創作總要被社會所容納。大家都認為，真正的藝術家無不都有一段殫精竭慮的經歷，但如果僅有思想，而沒有跟物質進行拼搏，人們很快就會發現那個所謂的藝術家，根本就沒有往前邁出一腳步。在達比埃斯的作品中，有時會出現對某些現實的拒斥：那些不自然的現實，憑空炮製的需求……比如說比比皆是的廣告及其色彩。下意識地，他便去尋求、想象另一種顏色，一種悲劇性的、深沉的，能表現本質價值的顏色。應該重新找到世界真正的顏色，一種當世界尚未被庸俗的廣告所佔滿的顏色，然而顏色本身並不存在，而是藝術家必須去給予一種內心的色彩。
有時在達比埃斯的作品裡，有一種對於瑣碎小東西的敬意：紙片、紙版、破爛……等，藝術家的手，可以說動手就是為了收集這些東西，把這些東西從遺忘、破損、撕裂，從時間的腳印下解放出來。既然今天的價值觀念到處都是顛倒的，這種做法也許是有作用的。他認為藝術家都只管美的或重要的事物，這種觀念是如此普遍，甚至公開顯示他更喜歡今天被視為醜的、拙劣的、愚鈍的或荒謬的事物。我們應該致力於推廣以下思維：有成千上萬的事物值得歸於藝術，也就是歸於人的範疇。有許多事物，無論乍看顯得如何微不足道，只要置於正確的視角下，就會變得比那些重要的事物偉大得多，更值得尊重。在他作品裡，那些謙卑的色彩成了質疑的標誌，這不僅僅是一種內心的歷史，而是一種正義與和平的本能。